Modevisningens fader kallas ofta Charles Frederick Worth, en fransk couturier född i England, en av artonhundratalets huvuddesigners, som stod bland grundarna av Haute Couture. På 1860-talet kom Worth på något som senare skulle revolutionera modebranschen: istället för att demonstrera kläder på skisser eller på skyltdockor, som tidigare, klädde han riktiga, levande kvinnor i sina skapelser för att visa outfits för sina ateljékunder . Hans fru, Marie-Augustine Berne, som nu kallas den första modemodellen, gjorde sin offentliga debut i designerns outfits. Men trots hans många tjänster till modevärlden kunde Worths shower strängt taget inte kallas catwalks. Faktum är att världens första shower ägde rum i ett specialutrustat litet rum i studion: kunden satt, modellerna kom ut och ställde sig framför honom. Ordet défilé (översatt från franska som "en smal passage mellan vissa hinder") för att beteckna modevisningar började användas senare, med en förändring i "landskapet" och landskapet.
Modevisning i Charles Frederick Worths studio
De första showerna, vars koncept ligger nära moderna modedemonstrationer, uppfanns av den brittiska modedesignern Lucille - detta var i början av 1900-talet. Lucille var en pionjär på många sätt: det var till exempel hon som föreslog att byta ut damkorsetter med bekvämare underkläder, som påminde lite om behåar, och kom på kjolar med slits. Lucille närmade sig också demonstrationen av sina modeller på ett extraordinärt sätt. För det första blev showroomet ganska stort: det var nu uppdelat i sittplatser för åskådare och en slags scen längs vilken modemodeller gick, och mode demonstrerades även i det fria. För det andra ackompanjerades föreställningarna av musik och avslutades med en liten buffé, som fick dem att se ut som en scenshow och en fest kombinerat. För det tredje var dessa föreställningar mycket mer offentliga evenemang än tidigare: före var och en trycktes inbjudningar till gästerna.
Foto: ifwartistsblog.wordpress.com
Lucille Fashion Show
I början av 1900-talet började populariteten för sådana metoder för att demonstrera mode öka. En annan pionjär när det gäller att organisera modevisningar är den store fransmannen Paul Poiret. Hans modevisningar blev ibland riktiga föreställningar, på många sätt liknade dagens storslagna modevisningar. I den stora salen samlade man många gäster, bakom scenen anordnade man speciella ”omklädningsrum”, förfäderna till den nuvarande backstage, och efter det anordnade man fester som moderna efterfester. Men på ett eller annat sätt var alla dessa shower i första hand av informationskaraktär: de var först och främst avsedda att inte förvåna och underhålla de församlade gästerna, utan att ge dem möjlighet att välja de klädmodeller de gillade för att köp dem senare.
Paul Poirets modevisning
Den första promenaden med modeller längs catwalken i sin moderna form - en scen i form av en lång "tunga" - organiserades i New York 1931 av den franska modedesignern (en italiensk aristokrat till födseln), skaparen av konceptet av "pret-a-porter" Elsa Schiaparelli. Tydligen var det Schiaparelli, en älskare av att förstöra stereotyper, som borde betraktas som modevisningens "mamma" i ordets moderna mening - det var på hennes shower som modedemonstrationer fick en teatralisk karaktär och fick egenskaperna hos en fantastisk , ibland surrealistisk show.
Schiaparelli-modeller på mässan
Hur kom modeveckorna till?
Under hela första hälften av 1900-talet hölls modevisningar med lika stor popularitet på båda sidor av Atlanten, medan modescenen i New York ofta dominerades inte av amerikanska, utan av europeiska (främst franska) designers. Men i och med andra världskrigets utbrott förändrades situationen – det visade sig att det var kriget som markerade början på ett fenomen som nu saknar motstycke i betydelse för hela modevärlden, Fashion Weeks. 1940, när Tyskland ockuperade Frankrike, stängdes Paris i praktiken, och det amerikanska modevärlden lämnades utan betydande europeiskt inflytande. 1943 samlade den berömda amerikanska publicisten Eleanor Lambert modedesigners från USA i New York för att hålla Press Week. Redaktörer för tidskrifter som skrev om mode kunde äntligen uppskatta amerikansk stil, och världen fick sin första modevecka - fortfarande inofficiell, men som fastställde principerna för ett sådant evenemang som sådant.
Den andra staden som var värd för Fashion Week var Paris 1973. Därefter tog Milan över stafettpinnen (1979). London kom fyra - den första modeveckan hölls här 1984. Den första officiella New York Fashion Week ägde rum först 1993, men denna stad anses vara showens "fader".
Mode "Press Week" i New York, 1943
Modevecka idag
Idag utgör New York, London, Milano och Paris de "fyra stora" städerna där de så kallade "måste" modeveckorna (Fashion Week, förkortat FW) hålls två gånger om året. Damshower äger rum exakt i den angivna sekvensen och pågår totalt cirka en månad, med start i februari och september. Dessa veckor kallas även Ready-to-wear (förkortning RTW, översatt som ready-made dress) eller prêt-à-porter (pret-a-porter). Var och en av de fyra stora veckorna innehåller i första hand kollektioner från lokala designers (till exempel London - brittisk, Milano - italiensk, etc.), men detta är inte nödvändigt. Det viktigaste är frånvaron av upprepningar: en modedesigner kan inte visa samma kollektion på två veckor av en säsong eller till och med två gånger.
Foto: blackfilmcenterarchive.wordpress.com
Första modeveckan i Paris, 1973
Herrkollektioner presenteras i september och från mitten av juni till mitten av juli: allt börjar med London Fashion Week, sedan äger visningar rum i Milano, Paris och New York. "Ytterligare" modeveckor hålls av olika större städer och huvudstäder i världen - Australien, Bangalore, Manila, Jakarta, Berlin, Bangkok, Barcelona, Seoul, Tokyo, Sao Paulo, Los Angeles, Lodz, Hong Kong, Buenos Aires , Singapore, Toronto, Madrid, Moskva, Kiev och så vidare. Det finns också Haute Couture Weeks, där endast vissa högmodehus är inbjudna att delta (inklusive Chanel, Versace, Valentino, Dior, Givenchy, Gaultier, Lacroix - en ganska snäv cirkel, dit dock ibland nya deltagare bjuds in) . De äger rum var sjätte månad i Paris (januari och juli) och visar tittarna särskilt extravaganta skapelser av stora modedesigners. Det finns också årliga bröllopsmodeveckor, strandmodeveckor eller simmodeveckor, mellansäsongsmodeveckor, barnmodeveckor och smyckesveckor.
Foto: savagebeauty.alexandermcqueen.com
Alexander McQueens show på Paris Fashion Week 2009, som överraskade allmänheten, var designerns sista verk.
Varje sådan show - först och främst handlar det om de obligatoriska fyra stora veckorna - blir en stor händelse för staden som är värd för den. Showerna lockar ett stort antal gäster - inklusive ägare av franchisebutiker från hela världen, VIP-kunder, kändisar och, naturligtvis, modepress och fotografer. Även en "bara dödlig" kan komma in i showen - om han är villig att betala en rund summa för en biljett (upp till hundratusentals dollar). Veckornas shower äger rum på en eller flera catwalks. Modeller går nerför catwalken till musiken och visar kläder från designern. I slutet av varje visning kommer samlingens författare och alla modeller som deltog i visningen ut till publiken. Showerna sänds av TV-kanaler och online i realtid, samtidigt som tittarna också ser "backstage", det vill säga vad som händer bakom kulisserna: det är här journalister ofta "fångar" modeller och modedesigners för att intervjua dem.
2014 arrangerade Karl Lagerfeld och Chanel en show i en stormarknad och bjöd in Rihanna att delta i händelsen
Vår-sommarkollektionerna (Spring-Summer, förkortat SS) visas på hösten föregående år; visningar av höst-vinterkollektioner (Höst-Vinter eller Höst-Vinter, förkortat AW eller FW) äger rum från februari till mars. Detta "uppskjutande" av utställningar behövs främst för att underlätta för köpare, som måste ha tid att skapa inköpslistor och ta med kollektionerna till butiker i början av säsongen. Men nyligen, 2016, skedde det ett brott i denna trend i form av det nya Se nu - Köp nu-systemet. Vissa modehus (till exempel Burberry och Tom Ford) har börjat visa kollektioner, som omedelbart dyker upp i märkesbutiker runt om i världen. Men för närvarande är traditionen med "förhandsshower" mycket starkare än det nya systemet, och vi kan lära oss om modetrenderna för den nya säsongen mycket tidigare än dess början.
Häromdagen avslutades Fashion Week. I år gjorde inhemska designers sitt bästa och skapade kollektioner (vår-sommar 2015) som inte på något sätt är sämre än världsberömda couturiers arbete. Alla försökte presentera för den sofistikerade allmänheten inte bara något nytt, utan också att inte ändra sin företagsstil. Idag kommer vi att titta på de bästa samlingarna från Russian Fashion Week och Moskva Fashion Week.
Varje show av denna designer är som illustrationer från sagor, men Alena Akhmadullina bestämde sig för att göra sin vår-sommarkollektion mer jordnära, inspirerad av lätthet, färg och blommor. Nejlikor, vallmo, tistlar, maskrosor, pelargoner och andra blommor avbildade på klänningar och blusar är avsedda att visa att skönhet finns runt omkring oss, det är inte något långt borta. Outfits i sport-chic och art deco-stilar kommer säkert att tilltala fashionistas som redan tänker på sommaren. I vissa outfits kommer de att kunna delta på en strandfest, i andra kommer de att kunna dyka upp på en fest. En lika slående detalj i kollektionen var tillbehören - clutches och väskor dekorerade med långa fransar hjälper till att komplettera din look.
Uppsättningar och klänningar gjorda i pastellfärger återspeglar inte bara vackert det valda temat, utan är också mycket relevanta.
Yudashkin inspirerades också av blommor, men han tog inte som utgångspunkt blommor som sådana (även om de blev dekoration inte bara av hallen där showen hölls, utan också av de flesta klänningar), utan mästerverk av landskapsdesign, franska trädgårdar. Idéerna som Valentin hämtade från denna konst återspeglades i siluettlinjerna och dekorativa detaljer. Uppsättningar och klänningar gjorda i pastellfärger återspeglar inte bara vackert det valda temat, utan är också mycket relevanta. På catwalken kunde man se både semi-sportmodeller och casual style outfits. Tja, showen stängdes, som alltid, av otroliga outfits, och även om de inte var så mycket bärbara var de slående i sin skönhet och dekoration.
Samlingen av Alexander Arutyunov blev nästan bäst på dessa modeveckor. Trots det faktum att designern tog det redan älskade blomtemat till grund, i år i form av vallmoblommor, och lade till lite ironi (flirtiga rosetter dekorerade med bugles och lakoniska och snygga rosettryggsäckar var ansvariga för det), skapade han en elegant, värdig inte bara vår, utan också världens Fashion Week-kollektion. Arutyunov klädde sin hjältinna i svarta, röda och vita klänningar, elegant broderade med stjälkar och blommor av vallmo. Kollektionen inkluderar aftonklänningar, set med byxor och kjolar och till och med avslappnade stilar.
Om man tittar på samlingen av det ryska märket Pirosmani, ledd av designern Evgenia Malygina, kan man komma ihåg de bästa samlingarna av Gaultier och Vivienne Westwood. Dessutom kan designers av Pirosmani i alla fall inte misstänkas för plagiat - tvärtom, jag skulle vilja tacka dem för att de inte var rädda och skapade outfits i en sådan grungestil, som är impopulär i Ryssland. Djärva modeller kommer inte att tilltala alla, men stilen är perfekt upprätthållen - lite skandalöshet och lite charm. Vid närmare eftertanke kan lite avslappnade set och klänningar med djup urringning enkelt anpassas till vardagen.
Ingen förväntade sig en sådan modevisning från Alexander Terekhov, och tack vare detta verkade det ännu mer intressant. Istället för de redan välbekanta chica klänningarna som du inte kan hitta fel på, presenterade designern en mycket "flickig" positiv kollektion. Paljetter, roliga ballongtryck, färgad päls och metalliska tyger skapar bilden av en modern, vuxen Barbie. Kollektionen kan kallas ljus, såväl som väldigt praktisk och bärbar - alla föremål är anpassade för vardagen, och vissa kan bäras på kontoret. Det är väldigt trevligt att seriösa designers, som de förväntar sig något specifikt, tillåter sig att missköta sig lite.
Men Victoria Andrianova presenterade en kollektion inspirerad av storstaden. Strängheten, enkelheten i linjer och färgscheman kan till och med påminna en del om klädseln hos hjältinnorna i utopiska filmer som "Equilibrium" eller "The Initiate", men i verkligheten är allt extremt enkelt. Uppsättningarnas komplexitet uppnåddes med hjälp av flera lager och ytterligare visuella effekter (frisyrer och klara glasögon). Varje modell individuellt och i kombination med enkla grundläggande saker kan lätt bli en av de mest favoriter i din garderob, och de flesta fashionistas kommer gärna att bära det föreslagna utseendet utan förändringar.
Potemkina bjöd på kvälls- och cocktailklänningar som säkert kommer att tilltala sofistikerade människor.
Aspirerande modedesigner Bella Potemkina, i spetsen för varumärket med samma namn, fortsätter att främja ömhet och femininitet bland inhemska fashionistas. Designern bestämde sig för att måla romantiska maxiklänningar, flirtiga minis, blus-kjolar och dramatiska outfits, dekorerade med märkets igenkännliga cameo-logotyp, i svart, vitt och pastellrosa. På väg bort från den ljusa stilen a la russe bjöd Potemkina på kvälls- och cocktailklänningar som säkert kommer att tilltala sofistikerade människor.
Anton Galetsky har alltid varit intressant eftersom han lätt valde komplexa och till och med skandalösa teman för sina samlingar. Hans senaste skapelser är inget undantag. När han skapade nya modeller inspirerades Anton av den kontroversiella och ofta inte särskilt trevliga perioden på 90-talet i Ryssland. Med utgångspunkt i bilden av gopniken, som redan har blivit legendarisk, såväl som den överdrivna dyrkan av varumärken och mode, skapade han en mycket dynamisk och ironisk kollektion, som, trots att den förlöjligar vår livsstil under dessa år, är mycket relevant, tack vare en ny våg av nostalgi för den tiden. Galetsky bör till och med applåderas för sitt mod och självironi.
Det visar sig att modedesigners inte bara arbetar, utan också vet hur man spenderar sin fritid lönsamt. Till exempel presenterade Dasha Gauser, efter att ha sett tillräckligt många tecknade serier om roliga pingviner från Madagaskar, på tröskeln till släppet av en fullängdsanimation om den fjäderbeklädda truppen, sin samling i stil med huvudkaraktärerna. Till den vanliga kombinationen av svart och vitt lade Gauser till lite humor och (bara lite) hennes favoritgeometri, så kollektionen kommer att tilltala många människor. På catwalken presenterades både set där du enkelt kan gå till jobbet och outfits för kvällsutflykter.
Esther Abner, liksom många designers i år, hittade inspiration i blommor. Designern valde bröllopsbuketter - referenser till denna bild utgjorde grunden för nästan varje outfit. En av de ursprungliga idéerna med kollektionen var idén att visa ramar och krinoliner gömda under tyget, som ramar in modellernas kroppar, inslagna i chiffong, mesh och organza. Kollektionen visade sig vara mer fantasi än anpassad för livet, men det är därför modevisningar finns, för att ställa upp.
Fransmännen visade sig vara de mest pragmatiska och visade kollektioner som lätt anpassar sig till vår vardag. Vi berättar vilka de mest intressanta sakerna som modehuvudstaden erbjuder oss och vilka tillbehör som bäst kommer att komplettera vår höst-vintergarderob.
Paco Rabanne, Valentino, Talbot Runhof, CelineHöjdpunkten under förra modeveckan i Paris var förstås Chanel-showen med den nya kreativa chefen Virginie Viard, som tidigare fungerat som högra handen till den bortgångne Karl Lagerfeld ( läs också: Vem är Virginie Viard och varför fick hon förtroendet att ersätta Karl Lagerfeld på Chanel). På landningsbanan presenterade varumärket den senaste (och utan tvekan mest ikoniska) kollektionen designad av modedesignern, som gick bort den 19 februari.
Trots den tråkiga avslutningen på säsongen gick modemarathonet smidigt och utan problem. Den franska veckan visade sig vara praktisk, "bärbar" och elegant - återspeglas i den globala återkomsten av kanonisk elegans, som äntligen har ersatt överdrivna hoodies och fula sneakers. Som alltid finns det många riktningar - vi delar med oss av 10 huvudtrender från den franska huvudstaden som är värda att uppmärksamma nu.
Lava nyanser
Vi kommer att leka med elden i den nya säsongen i ordets bokstavliga bemärkelse. Det är i detta element som de idealiska färgkombinationerna för hösten och vintern 2019 finns. Trendsättaren var Dries Van Noten, som visade en kort päls och flera pälsväskor i lava nyanser. Blodigt scharlakansröd, förvandlas till eldrött och bländande gult - du måste hålla med, det ser verkligen fascinerande ut.
Ultraviolett, som var 2018 års färg enligt Pantone, är för tidigt att skriva av: oavsett vad institutets experter säger och oavsett hur attraktiv årets nya hjälte, "levande korall", är, monokroma bilder i rikt lila alltid se intressant, ljus och vinnande ut. Säsongens mest trendiga kombinationer är experiment med en kombination av nyanser av samma palett, men med olika mättnad: vi kombinerar violett, lavendel, björnbär och ametist i en bild.
Ett lustigt modesammanträffande inträffade mellan de tidigare märkeskollegorna Pierpaolo Piccioli och Maria Grazia Chiuri: båda italienska designers visade liknande stilar av huvudbonader, som ofta kallas "hinkhattar" - en sorts hybrid av den välbekanta panamahatten, men med en förstorad krona . Vi tittar på Valentino för de mest trendiga kombinationerna med romantiska klänningar, och Nina Ricci är värd att leta efter retromodeller som påminner om en cloche-modell.
Designers lånar ofta trender från gatorna: ett liknande öde har drabbat huvuddukar, en accessoar som är tydligt bekant för alla sedan barndomen. Trots att både Grace Kelly och Jackie Kennedy älskade dem hängivet, gick en ny våg av popularitet över huvuddukar tack vare rapparna - A$AP Rocky provade till och med en huvudbonad på mattan. Nu på de parisiska catwalks kan du hitta sidenscarfar med ljusa tryck eller enkla sådana gjorda av mocka och läder - välj efter din smak.
Naturlig päls
Det visas alltid många pälsrockar under höst-vintersäsongen. I framtiden kommer en av de mest populära rockarna att vara rockar gjorda av päls som helt liknar naturlig päls. Trots det faktum att modeindustrin aktivt avvisar riktiga sobler och minkar, ser ultrafashionabla ekoalternativ ganska naturliga ut - även huvudkämpen för att rädda miljön, Stella McCartney, visade sådana, vars starka ekoposition inte kan betvivlas. Vi letar efter riktlinjer för den nya säsongen i filmen "The Revenant" och bilden av Leonardo DiCaprio. En enorm, varm och lite besvärlig päls kommer att rädda oss i kylan och kan enkelt ersätta en frosttålig dunjacka-filt.
Under den nya säsongen har Pierpaolo Piccioli och hans kreativa team bemästrat konsten att kollage - i Valentino-kollektionen letar vi efter fantasitryck skapade av blommönster och bilder av skulpturer. Maison Margiela har blivit fascinerad av psykedelia, och färgglada akvarellscener kan hittas hos Lanvins nya kreativa chef, Bruno Sialelli.
Breda axlar
Säsongsbetonade metamorfoser rör oftast axellinjen: under de senaste åren har designers arbetat uteslutande för att öka dem, aktivt inspirerade av 80-talet. I den nya säsongen är axlarna snarare inte sluttande, utan skarpvinklade och hårda, vilket går utöver alla möjliga idéer om hypervolym. Sådana versioner av jackor och kappor visades av Saint Laurent, Acne Studios och Balmain, och Clare Waight Keller på Givenchy tar en annan väg och lägger till dekorativa sömmar längs axellinjen för att återigen betona deras skala. Celine, Altuzarra, Elie Saab, Isabel Marant
Här erbjuder varumärken oss det bredaste utbudet av alternativ: det spelar ingen roll vad dina idealiska långa stövlar för den nya säsongen kommer att vara - åtsittande lackstövlar eller färgade tubstövlar. Dessutom kan du kombinera dem med minikjolar eller stoppa in voluminösa byxor i skor med lös topp.
En annan vintageaccessoar och obestridlig trend för den nya säsongen är långa handskar gjorda av matt eller lackläder, som mycket väl kan bli huvudaccenten i din look. Vi kombinerar den med sidenscarfar, som 1900-talsikonerna Elizabeth Taylor, Audrey Hepburn och Grace Kelly gjorde, eller så ångar vi tillbehöret och bär bara en handske, som Melania Trump ibland gör (
I Paris presenterade de bästa couturierna, som designers över hela världen ser upp till, sina kollektioner. Maskulint och feminint, lätt och brutalt, genomskinligt och flerskiktigt, högtidligt och vardagligt – allt blandas här. Och så är fallet när varje show inte bara är en modevisning, utan en supershow, där stjärnor står på podiet och i hallen, och kläderna är som ett kalejdoskop som fascinerar och lockar ögat.
Fransmännen kallar detta söta garderobsobjekt för långkalsonger. Vida sidenbyxor som bärs under shorts. De får ett nästan kontor att se barnsligt rörande och helt informellt ut.
Kollektionen av modehuset Chloè har många uppsättningar av den så kallade underklädesstilen: korsetter, bustiers, chemises. En liten väst och "vuxna" herrbyxor ger ett elegant sommarset. Och en lös skjortklänning passar bra till hårda slipmaskiner.
Chloè blandar mästerligt maskulint och feminint. En lös sidenblus med knytband är både en rosett och en slips, sammanflätade "han" och "hon". Tvådelad byxa med de finaste ränderna: både axlar och midja är tydligt definierade. Allt är ömt, flickaktigt, flygande.
Under den nya säsongen väljer Chloè "läckra" nyanser: mjölkkola, jordgubbsmarshmallow, havregrynskakor, mörk choklad. Även denimsetet i 70-talsstil är en varm ljusbrunt, som en glassstrut.
Det finns flera botemedel för höstens blues en dyster dag, och en modevisning är en av dem. Nästa års vår-sommarkollektion är ett löfte om att solen, värmen, sundresses och lätta chintz-klänningar kommer tillbaka. Det är trots allt någon som redan funderar på hur vi ska se ut den nya säsongen.
Dazzling white spelar den första fiolen i Valentino-samlingen. Vik och rynkningar, voluminösa volanger och mjuka veck skapar ett skulpturellt spel av ljus och skugga. På 1500-talet rådde alltså "grisaille"-stilen i måleriet, när de finaste nyanserna skapade formen.
Grunden här är bomull, nästan bortglömd av modeskapare, och en vanlig herrskjorta. Grundmaterial i de skickliga händerna på hantverkarna från modehuset Valentino, känt för sina lyxiga aftonklänningar, förvandlas till utsökta kläder av antika gudinnor. Vita sandaler och tunga guldsmycken kompletterar utseendet, högtidligt och skört på samma gång.
"För mig är vitt inte bara ett blankt blad, det är en utgångspunkt, en möjlighet att visa våra mästares otroliga teknik. Här är en vit skjorta - något alla kan ha. Men det kan ges en ny dimension, och då blir det välbekanta extraordinärt, säger designern Pierpaolo Piccioli.
Valentino lägger färg till sin lyxiga vita. Fluorescerande grönt och orange verkar tvista om vilken som är ljusare än solen. Exotiska blommor, viktlösa fjädrar och gyllene gnistrar.
Bakom kulisserna av denna otroliga prestation poserar supermodellen Naomi Campbell för foton med sina unga kollegor. I dag står hon inte på prispallen och verkar ångra sig lite.
"Jag gillade allt, absolut allt", sa supermodellen.
Modehuset Alexander McQueen tog med sig en kammarorkester från London till showen. Och detta är inte bara ett infall från skaparna av ett av de mest kända varumärkena. Den ledande designern av huset, Sarah Barton, säger: tiden flyter för snabbt nuförtiden, det verkliga, det autentiska ger alltmer plats för ersatz, liveframträdande till ett soundtrack, handgjort till en mall.
För att skapa en ny kollektion åkte designern till Irland. Försvinnande blommor och växter blev hennes inspiration. Nu är de täckta av spets och broderier, vilket kräver hundratals timmars mödosamt arbete. Den här klänningen var bokstavligen broderad av hela personalen på Alexander McQueens modehus. Alla gjorde åtminstone ett stygn. Det finns mycket guipure och läder, originalsmycken och fina smycken. Även modellernas frisyrer – intrikata flätor med afrikanska motiv – tar alla tid och arbete.
Den senaste utgåvan - en lyxig sidenjacka - kompletteras med inlägg från en annan uppsättning - kollektionen för denna höst-vintersäsong. För modehuset Alexander McQueen är detta en symbol för fortsättningen av traditioner. För oss är det en försäkran om att våren med säkerhet kommer ur vintern.
Om du försökte smyga in på en modevisning med en kamera i händerna för 100 år sedan, skulle du med största sannolikhet ha kastats ut på gatan - de senaste couturier-läckerheterna var strikt gömda för konkurrenternas ögon och fotografer misstänktes för " kommersiellt spionage."
Om du berättade för en arbetare i modebranschen under första hälften av 1900-talet att detta exklusiva hantverk idag kommer att förvandlas till en gnistrande ström av glans, som strömmar från Instagram live över huvudet på en mångmiljonpublik, skulle han tro att du fantiserar.
Från dolda shower för "högsamhället" till masstillgänglighet och demokratisering av trender - världen mode har utvecklats med samhälle, kultur och teknik under de senaste 150 åren.
En modevisning i dag varar inte längre än tio minuter – och det räcker för att förflytta betraktaren till en annan värld. En modern modevisning med sin storslagna design och teatralitet skapas för att fördjupa alla närvarande i författarens - modedesigners vision.
Det var inte alltid så här – innan såg det hela mycket mer blygsamt ut. De små utställningarna av Chanel-klänningar i de intima miljöerna i parisiska salonger på 1950-talet är inte på något sätt jämförbara med Karl Lagerfelds fullsatta show på Grand Palais 2014.
Det som främst har förändrats är skalan, nämligen budget, produktion och platser. På bara några decennier har shower gått från en diskret, privat tillställning till en underhållningsshow av kungliga proportioner.
I början av high fashion
Den första modedesignern som kom på idén att visa kläder på levande människor var parisaren Charles Frederick Worth. 1860 organiserade han en modevisning under loppen på Longchamps kapplöpningsbana, och startade därmed en tradition som fortsattes av andra couturier fram till 1930-talet.
Även om det knappast kan kallas en show - modellerna visade helt enkelt upp på evenemanget i en social miljö, idén tog med sig sin del av publiciteten.
Paris, Longchamp Hippodrome - 1910
De första åren av 1900-talet var modeparadernas storhetstid - vad som idag brukar kallas för shower. Den brittiska modedesignern Lady Duff-Gordon höll regelbundna modevisningar på sin Hanover Street-salong och kallade sina modeller för romantiska namn för att göra stämningen exotisk.
Under tiden, i Paris, arrangerade Paul Poiret baler där gästerna kunde prova ovanliga designerklänningar inspirerade av orientaliska bilder.
Modeller av Paul Poiret i Paris - 1904
20-talet var haute coutures guldålder i Paris, tack vare visionen från den tidens smakmakare - Coco Chanel, Madeleine Vionnet och Elsa Schiaparelli.
Under shower i mysiga salonger i Paris beställde gästerna klänningar på plats, förhandlade med couturiers pålitliga representant, ansvarig för att upprätthålla relationerna med kunderna.
Show i en av New Yorks salonger - 1925
På den tiden i Amerika, trots svårigheterna under den stora depressionen på 1930-talet, blomstrade även high fashion. Och den första promenaden längs catwalken i New York 1931 anordnades av Elsa Schiaparelli. Fotografer fick inte vara med i denna show - konstnärerna gjorde skisser av samlingarna på papper.
Sedan Schiaparellis show har europeiska designers dominerat modescenen i New York i många år. Blomningen av amerikansk talang skedde under tragiska omständigheter: under andra världskriget kunde den amerikanska pressen inte resa till Europa, vilket gav lokala designers en chans att kliva in i rampljuset.
1943 hjälpte modekritikern Eleanor Lambert till att organisera den första modeveckan i New York. Sedan dess har denna världsberömda händelse bara avbrutits en gång i historien - dagen för terrorattacken den 11 september 2001, som inträffade den första dagen av showen.
En av pionjärerna inom amerikanskt mode var minimalisten Norman Norell, vars klänningar senare bars av Marilyn Monroe
Norell med modeller på vår-sommaren 1949 utställning
Börja om
1945 tog kriget slut och Europa var utmattat. Frankrike förblev relativt oskadat på grund av den tidiga ockupationen, men modeindustrin led enorma förluster under denna tid - den var tvungen att återställas.
Sonen till legendariska couturiern Nina Ricci, Robert, föreslog att modehus skulle göra miniatyrversioner av sina verk - ett elegant sätt att presentera sina prestationer för allmänheten utan att slösa bort en enorm mängd värdefullt material. Sådana miniatyrshower blev kända som "modets lilla teater" (Le Petit Théâtre de la Mode).
1945 ställdes 200 skyltdockor i en tredjedel i naturlig storlek, klädda i miniatyrdräkter av Cristobal Balenciaga och Jeanne Lanvin, på Louvren och skickades sedan på en rundtur i Europa. Året därpå skickades samma skyltdockor - redan i en ny kollektion - utomlands och arrangerade en slags modevisning, pragmatiskt skötte budgeten.
Skyltdockor från en utställning i New York 1946
Nya regler
Under förkrigsåren hölls haute couture-shower i trånga salonger – på samma plats där designerns verkstad låg. På samma ställe gjordes beställningar för kunder som återvänt till salongen under de närmaste 6 veckorna för att få sina mått mätta. Under dessa år före catwalken låg tonvikten på kundkrets snarare än publicitet. Men snart förändrades allt.
1947 tillät Christian Dior fotografer att fotografera hans första designerkollektion. Redaktören för modetidningen Harper's Bazaar, Carmel Snow, kallade den nu berömda kollektionen "The New Look".
Från Dior-samlingen 1947
Christian Dior med modeller
Italien
I Italien började shower på 1950-talet i Florens. Ledande modehus från Rom, Turin och Milano, inklusive märken som Simonetta Visconti, Schubert och Emilio Pucci, ställde ut kollektioner innanför det storslagna Sala Bianca-palatsets väggar.
Dessa utställningar, som organiserades under ledning av Giovanni Battista Giorgini, var ett försök att konkurrera med modehusen i Paris och att återställa textil- och modeindustrin i italienska ateljéer efter kriget.
Modevisning, Florens - 1951
Under dessa år annonserades showen som ytterligare ett stopp för moderedaktörer efter att de hade deltagit i showerna i Paris och var på väg till sina skepp hem till Amerika. Gästerna mutades alltså genom att placera dem på lyxhotell och hälla upp de bästa italienska vinerna åt dem i ett försök att imponera på dem innan de satte sig på sina redaktioner och meddelade världssamfundet vilkas modeskapare som trots allt var trendsättare den här säsongen. .
Hubert de Givenchy med skådespelerskan Audrey Hepburn
1952 presenterade Hubert Givenchy sin första kollektion. Hans vänskapliga förhållande med Audrey Hepburn, som han klädde för rollen som Sabrina i Breakfast at Tiffany's, förebådade reklamrelationer mellan stora varumärken och kändisar.
Givenchy 1970-samling i Paris
Och 1956 bjöd Gaby Aghien, grundaren av varumärket Chloé, in pressen till det legendariska Café de Flore för den tidens mest informella show.
Designern klädde helt enkelt modellerna i sin kollektion, och de tillbringade kvällen tillsammans på etablissemanget - pratade, chattade och drack med redaktörer och andra representanter för modevärlden.
Kväll på Café de Flor - 1956
Framväxten av ready-to-wear
Yves Saint Laurent med modeller
Trots alla påståenden om high fashion började på 60-talet en grupp företagsamma designers, som förenade både nykomlingar på scenen (Yves Saint Laurent) och veteraner från modevärlden (Nina Ricci), att producera färdiga att bära färdiga att -wear-kollektioner (från fransk pret-a-porter - "ready to wear") två veckor före den traditionella utställningen av haute couture-kollektionen.
Så började erövringen av massmarknaden av modedesigners - och efter det öppnandet av ett nätverk av butiker och mass erkännande.
Den sexuella revolutionen på 60-talet påverkade snabbt high fashion - trots allt, vad är konceptuella shower om inte att tänka om kultur genom utseende? New wave designers som Pierre Cardin och Paco Rabanne trimmade djärvt kjolar och använde ljusa färger för att tilltala unga shoppare.
Yves Saint Laurent efter showen - 1963
Catwalken kommer i förgrunden
70-talet markerade det moderna modets ålder: konfektionskollektioner ersatte haute couture, och catwalken blev den främsta plattformen för att uttrycka designidéer. Så många unga designers började dyka upp i Paris att modevisningar redan hölls två gånger om året, och 1973 öppnades den första Paris Fashion Week officiellt.
De viktigaste upptäckterna av Paris Fashion Week var den japanska designern Kenzo Takada, Sonia Rykiel och varumärket Chloé under kreativ ledning av Karl Lagerfeld.
Europas renässans
Redan under nästa decennium blev London centrum för kreativiteten. Vivienne Westwood slog in på modescenen med sin signaturblandning av historiska element, sex och anarki. Hennes horder av fans var lika fans av både punkrock och hennes kläder. Westwoods shower bröt mot alla regler, var vanvördiga mot kanonerna för "fint" mode och introducerade ett element av popularitet och protest i modevärlden.
Första showen i London Fashion Week - 1984
Vivienne Westwood
London blev en härd för press och köpare som desperat jagade nästa stora hit.
Andra protestdesigners som omarbetade idén med modevisningen försökte diversifiera banan genom att introducera nya etniciteter, kön, åldrar och storlekar på modeller.
Supermodellernas era
Varje decennium har modehistorien genomgått en stor konceptuell vändning, ett perspektivskifte.
60-talet var en era av innovation inom presentation och konkurrens bland Europas ledande modehus. 70-talet var århundradet av ready-to-wear och förändrad moral. 80-talet förkroppsligade innovation, protest och föryngring med framväxten av modedesigners utanför Europa och Amerika.
På 90-talet - eran av födelsen av masskommunikation, glans och tv - vändes all uppmärksamhet från designers till supermodeller. Det var de som blev stjärnorna i den här generationen och fick en aldrig tidigare skådad berömmelse - de var jämförbara i popularitet med rockstjärnor, och ledande modehus spenderade förmögenheter på att locka dem att delta i visningar av deras samlingar.
Gucci, under ledning av Tom Ford, satte en ny standard för den här tidens ton – här spelade sex, status och glamour en avgörande roll. En strålkastare riktades mot varje modell för att lyfta fram dess viktigaste fördelar, och nästa nyckelelement efter kläder var handväskan som statussymbol.
Modeteater
Louis Vuitton vår-sommar 2017 kollektion show, Rio de Janeiro
När det verkar som att alla sätt att imponera på publiken är uttömda, finns det alltid en rebell som är redo att slå till igen och starta en ny trend.
På 90-talet blev den belgiska designern Martin Margiela en sådan person - han struntade helt i de etablerade reglerna för att hålla shower, som vid den tiden ägde rum i specialutrustade salar, museer och teaterbyggnader som hyrs för shower. Till sin nästa kollektion tog han helt enkelt gästerna till ett bostadsområde i utkanten av Paris, där han höll en improviserad show mitt på en lekplats - inga podier, inga sittplatser - och bjöd dit lokala barnfamiljer.
Men den verkliga vändpunkten var Alexander McQueen-showen 1996. Den brittiske excentrikern arrangerade en show i en övergiven kyrka och kallade sin samling "Dante". Från det ögonblicket började modevisningar jämföras i termer av teatralitet, och platsen blev lika viktig som själva kläderna.
Alexander McQueen 1998 show i London
Digital ålder
Tekniken har åstadkommit de största förändringarna för modevisningar, även om den konservativa modeindustrin ibland bokstavligen har behövt dras med öronen in i den digitala tidsåldern. Den första som presenterade sin kollektion online var den österrikiska designern Helmut Lang 1998.
”Jag insåg att internet skulle bli något mycket större än vi kunde föreställa oss, och jag tänkte att det skulle vara trevligt att anamma det och utmana standarderna redan då. Dessutom var det ett bra sätt att föra ut mitt arbete till en masspublik på ett nytt sätt.”
Instagram har idag blivit den huvudsakliga plattformen som modebranschen förlitar sig på. Även de extravaganta tre-dagars kryssningsfartygsresor som modehus anordnar för dem som köper biljetter till privata shower är utarbetade reklamkampanjer utformade för att maximera Instagram-täckningen av evenemanget.
2017 tog Louis Vuitton gäster med på en liner till Rio de Janeiro och visade sin stora samling på trappan som leder till konstmuseet vid ankomsten, och i år tog han besökarna över havet till Tokyo. Dessa resor är designade för att skapa vågor på Instagram. Kläder är nästan irrelevanta.
Modevärlden har definitivt blivit en mer kommersiell, kallblodig plats där konkurrens förstör de svaga, och vanliga modeller som har oturen att dra till sig uppmärksamhet från inflytelserika modedesigners tuggas i sig och spottas ut av branschen vid 30 års ålder.
Men detta gjorde inte modet mindre extravagant. Med streaming av shower och de oändliga möjligheterna med Instagram, växer omfattningen av showen bara för varje år, och själva showerna är nu tillgängliga för alla.
Det är så mode, en av de mest hemliga och otillgängliga sfärerna i kulturen, har tagit sig från Paris stängda salonger till skärmen på din smartphone.
- I kontakt med 0
- Google+ 0
- OK 0
- Facebook 0
